Il testo esplora la pratica e la teoria del restauro delle sculture nella Roma del XVII secolo, concentrandosi sul modo in cui le sculture antiche venivano recuperate, restaurate e integrate nelle collezioni. In questo periodo, l’approccio al restauro delle sculture era influenzato principalmente dai principi del completamento estetico piuttosto che dall’accuratezza archeologica. Il processo di restauro mirava a far apparire le statue antiche intere, spesso ignorando l’autenticitร delle parti aggiunte. Scultori di spicco, come Bernini e Algardi, ma anche figure meno note come Orfeo Boselli, si occuparono di restauro, pur applicando un approccio uniforme, indipendentemente dal fatto che i loro stili artistici tendessero al barocco o al classicismo.
Il processo di restauro prevedeva diverse fasi, a partire dal recupero delle sculture dai siti di scavo, che talvolta avevano un significato quasi religioso. Una volta riportate alla luce, le sculture venivano affidate ad artisti e antiquari che ne valutavano i frammenti e decidevano come restaurarle, spesso utilizzando parti di nuova creazione per sostituire i pezzi mancanti. Le tecniche per “invecchiare” i pezzi aggiunti erano comuni, come la bollitura del marmo nell’aceto o l’uso di sostanze chimiche specifiche per rendere le nuove aggiunte simili ai materiali antichi originali. Il documento affronta anche il tema del fiorente mercato delle antichitร autentiche e delle imitazioni moderne, con i collezionisti spesso vittime di falsi.
I restauratori lavoravano talvolta in loco, nei palazzi dei loro committenti, oppure trasportavano le statue nei loro laboratori per il restauro. Il testo evidenzia la professionalizzazione del ruolo del restauratore in questo periodo, mostrando la transizione da una pratica prevalentemente scultorea a una disciplina emergente e indipendente. Le discussioni sul restauro erano spesso incentrate su questioni estetiche e iconografiche, come la trasformazione di divinitร pagane in santi cristiani o la modifica di busti per adattarli al gusto contemporaneo. Queste pratiche riflettono il piรน ampio contesto culturale di Roma che, nel XVII secolo, era un centro di costruzione e di scavo, guidato dalle richieste di ricchi collezionisti e mecenati. Il testo tocca anche le sfide della verifica dell’autenticitร delle sculture antiche in un mercato pieno di imitazioni e le strategie utilizzate dai restauratori per soddisfare i desideri dei loro clienti.
English Abstract
The text explores the practice and theory of sculpture restoration in 17th-century Rome, focusing on how ancient sculptures were recovered, restored, and integrated into collections. In this period, the approach to sculpture restoration was primarily influenced by the principles of aesthetic completion rather than archaeological accuracy. The restoration process aimed to make ancient statues appear whole, often disregarding the authenticity of the parts being added. Prominent sculptors, such as Bernini and Algardi, alongside lesser-known figures like Orfeo Boselli, were involved in restoration work, though they applied a uniform approach regardless of whether their own artistic styles leaned toward Baroque or Classicism. The restoration process involved several stages, starting with the recovery of the sculptures from excavation sites, which sometimes carried a quasi-religious significance. Once unearthed, sculptures were entrusted to artists and antiquarians who evaluated the fragments and decided how to restore them, often using newly created parts to replace missing pieces. Techniques for ยagingย the newly added pieces were common, such as boiling marble in vinegar or using specific chemicals to make new additions resemble the original ancient materials. The document also addresses the burgeoning market for both genuine antiquities and modern imitations, with collectors often falling victim to forgeries. Restorers sometimes worked on-site in the palaces of their patrons, or transported the statues to their workshops for restoration. The text highlights the professionalization of the restorer's role during this period, showing the transition from a primarily sculptural practice to an emerging, independent discipline. Discussions on restoration often centered on aesthetic and iconographic concerns, such as transforming pagan deities into Christian saints or altering busts to suit contemporary tastes. These practices reflect the broader cultural context of Rome, which, in the 17th century, was a hub of both construction and excavation, driven by the demands of wealthy collectors and patrons. The text also touches upon the challenges of verifying the authenticity of ancient sculptures in a market rife with imitations and the strategies used by restorers to meet the desires of their clients.
